Feminist Inscriptions at the Thyssen Museum | Semíramis González
December 5, 2024
English text | Texto español
Yohanna M. Roa, Pocahontas y la Malinche, Thyssen-Bornemisza National Museum, 2024 | photo: María Lamuy
Amapola Prada, Siervos por naturaleza, Thyssen-Bornemisza National Museum, 2023 | photo: Silvia de Amo
Within the long tradition of the body and physicality itself acting as protagonist in both performance art and social movements, I came up with “Vision and Presence,” a performance series that has been hosted by the Thyssen-Bornemisza National Museum in Madrid since 2022. The initiative came at the invitation of the director, Guillermo Solana (one of the museum administrators most committed to feminist issues in Spain). The museum has an important collection of ancient and modern artists from the private collection of the Thyssen-Bornemisza family, assembled over seven decades, with works from the 14th to 20th century, including works by Caravaggio, Dürer, van Gogh, Cezanne, and Hopper.
As curator of the program, I sought to promote a dialogue with contemporary performance artists and to do so using the different spaces of the Thyssen Museum. It is not just about enacting a performance, but about the rooms, the stairs, the central hall, and the entrance garden becoming the “social space” that Henri Lefebvre has described as produced by the body as the medium that materializes us as social beings. The places held meaning for each action. For instance, Peruvian artist Amapola Prada cleaned the entrance stairs to the museum while denouncing the violence of colonialism; older women sang songs from their childhoods in the garden in a performance by Regina José Galindo; and women subjugated during the Franco dictatorship in Spain were vindicated in a performance in the central hall.
Agnes Essonti, Bayam Sellam, Thyssen-Bornemisza National Museum, 2023 | photo: Laura C. Vela
In her performance Bayam Sellam, Agnes Essonti led tours through works from within the collection which include Black figures. The artist read historical advertisements from Spanish newspapers for the sale of enslaved people, in a reckoning with systemic racism but also as a ritual cleansing from the trauma of that history. The Honduran artist Scarlett Rovelaz traced, with mirrors, a river that ran from the work Orchid and Hummingbird Near a Waterfall by Martin Johnson Heade to the museum’s own garden, to address the ongoing drought and pollution of rivers.
Scarlett Rovelaz, Fluidez-Thyssen, Thyssen-Bornemisza National Museum, 2023 | photo: Carmen Suàrez
The series takes its name from Griselda Pollock’s pioneering text “Vision and Difference” (1988). Pollock also coined the concept of “feminist inscriptions” in art history, to talk about the feminist restitution and rewriting of history, and I was personally interested in playing with this idea of “inscription” via introducing performance into a classical museum through site-specific works that engaged the public with artists to interact and reflect on current social and political issues.
“Vision and Presence” also seeks to give visibility to women creators. In its first edition, in 2022, the work of national and international female artists were presented in six performances by Regina José Galindo (Guatemala), Beth Moysés (Brazil), Verónica Ruth Frías, Costa Badía and Noemi Iglesias Barrios (all three from Spain). Each artist was selected based on their affinity with feminist issues that I felt were important to address within the museum walls.
In 2023, we expanded the program to include ten performances throughout the year. The chosen themes transferred issues of the present to a museum with a renewed vision and mission concerned with gender equality, historical memory, racial diversity, climate change and the rereading of the history of art from a more egalitarian perspective. The artists were: Agnes Essonti (Spain), Alejandra Glez. (Cuba), Lorena Wolffer (Mexico), Osiris Ferrera (Honduras), Karme Lahoz (Spain), Scarlett Rovelaz (Honduras), Amapola Prada (Peru), Art al Quadrat (Spain), Ana Beltrán (Spain) y Neyen B. Pailamilla (Chile). Distinct in nature and diverse in theme – from sexual violence to racism to the historical revindication of women’s memories – these performances use artistic sensibility to make space for reflexion on contemporary issues. From the themes raised in these works, the social and political potential of performance is made clear. In dialogue, Lorena Wolffer and Kira Sosa Wolffer addressed sexual violence, Osiris Ferrera raised the issue of femicide in the context of Honduras, and Ana Beltràn did so in the context of Spain.
Osiris Ferrera, More Than Numbers, Thyssen-Bornemisza National Museum, 2023 | photo: Carmen Suàrez
Continuing this interest in the museum as an agora of thought, three historical conferences took place over the course of 2024 . Spanish art historian and curator Pilar Soler Montes presented “Histeria,” on the image of vanguard women, specifically in terms of the construction of the “histerical woman” as a positionality and a stereotype; the Argentine curator Kekena Corvalán presented the “Red Artchivas” project, an investigation to amplify the journey of women and dissidents in territorialized collective art practices; and the Cuban historian Suset Sánchez presented “Blacks, cholas, Chinese, blondes. . . Tits without fear, bodies in resistance and decolonial criticism.” In these three cases, theoretical conversations have made space within the museum for deeper questions around decoloniality, the patriarchal treatment of women’s bodies, and community work.
Marta Pinilla, Baroque Sacred Cosmology, Thyssen-Bornemisza National Museum, 2024 | photo: Silvia de Amo
In 2024 we hosted performances by Marta Pinilla (España), María Monegro y Lizette Nin (España), Las Domínguez de Ramos (Argentina), Yohanna M. Roa (Colombia/Estados Unidos), Estíbaliz Sádaba (España), Alejandra Dorado (Bolivia), Dolores Nchama (Guinea Ecuatorial), Aniova Prandy (República Dominicana), Verónica Vides (El Salvador), and Rosa Cabrera (Cuba). As a curator, I am interested in feminist and decolonial themes as they relate to personal experience or autobiography. I am interested in how artistic practice can be a profound tool of transformation for women to reckon with the violence and inequality they suffer while also serving as a means of empowerment and means of instantiating a more just environment.
Lizette Nin and María Monegro, The Fleeting Body, Thyssen-Bornemisza National Museum, 2024 | image: Ana León and Muy Yeah Films
Each performance is distinct in terms of its approach to the public and its formation. The audiences have included people who happen upon the performances while simply visiting the collection of the museum, as well as people who come specifically to participate in these live events. Visitors have collaborated, asked questions, and intervened in performances. One need not be an expert to understand the message or to form part of the action. Most significantly, these works have the ability to transform the inequalities they address. The ways performance art can hit a nerve are subtle, prolonged, and lasting. Each performance in “Vision and presence” lasts a half hour, but the provocation, and potentially the change, is found within each one of us.
Translated from the Spanish by Georgia Phillips-Amos.
Texto español
Inscripciones feministas en el Museo Thyssen
Dentro de la larga historia del protagonismo del cuerpo y fisicidad dentro del performance y en los movimientos políticos y sociales, me planteé el ciclo “Visión y presencia” que, desde el año 2022, acoge el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en Madrid, a partir de una invitación de su director, Guillermo Solana (uno de los más comprometidos con el feminismo en el panorama español). El museo cuenta con una importante colección de artistas antiguos y modernos a partir de la colección privada reunida a lo largo de siete décadas por la familia Thyssen-Bornemisza, con obras desde el siglo XIV al XX, entre otros, Caravaggio, Durero, van Gogh, Cezanne, o Hopper.
Como curadora del ciclo, desde el inicio del programa buscaba fomentar el diálogo de las prácticas artísticas contemporáneas (en este caso, artistas actuales de performance) no sólo por las líneas de interés social que plantea el museo (que son las que preocupan a toda la sociedad) y hacerlo utilizando los distintos espacios del Museo Thyssen. No se trata sólo de hacer una performance, sino de que las salas, las escaleras, el hall central, el jardín de entrada . . . se conviertan en ese “espacio social” que describe Henri Lefebvre como el medio por el que nos materializamos como seres sociales. En las distintas ediciones del ciclo hemos visto como la artista peruana Ampola Prada limpiaba la escalera de entrada al museo mientras denunciaba la violencia del colonialismo, mujeres mayores cantaban canciones de su infancia en el jardín en una performance de Regina José Galindo, o las mujeres represaliadas durante la dictadura franquista en España eran reivindicadas en una performance en el hall central.
En su performance “Bayam Sellam,” Agnes Essonti recorría obras de la colección donde aparecían personas negras mientras leía anuncios en periódicos españoles de venta de personas esclavizadas, en un ejercicio de denuncia racial pero también de limpieza del trauma en las personas racializadas. De la misma manera, la artista hondureña Scarlett Rovelaz trazaba, con varios espejos, un río que recorría desde la obra “Orquídea y colibrí cerca de una cascada” de Martin Johnson Heade hasta el jardín del museo para denunciar la sequía y la contaminación de los ríos.
El ciclo toma su nombre del texto pionero “Vision and Difference”, de Griselda Pollock (1988), y presenta una serie de performances inéditas concebidas por las artistas exprofeso para los distintos espacios del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en los que público y artistas interactúan para reflexionar sobre temas de actualidad a través del arte. Es Pollock la introductora del concepto de “inscripciones feministas” en la historia del arte para hablar de la restitución y reescritura feminista de la historia, y me interesaba jugar con esta idea de “inscripción” para introducir una acción en vivo en un museo clásico.
Asimismo, Visión y presencia busca dar visibilidad a las mujeres creadoras. En su primera edición, en 2022, se presentó el trabajo de artistas nacionales e internacionales en seis performances a cargo de Regina José Galindo (Guatemala), Beth Moysés (Brasil), Verónica Ruth Frías, Costa Badía y Noemi Iglesias Barrios (las tres de España). Todas ellas fueron seleccionadas a partir de mi criterio curatorial desde unas trayectorias artísticas implicadas con cuestiones feministas que era importante introducir en el museo.
En 2023 el ciclo se ampliaba a diez performances que tuvieron lugar durante todo el año (excepto julio y agosto). Proyectadas por destacadas artistas, los temas elegidos trasladaban cuestiones del presente a un museo con una renovada visión y misión que se preocupa por problemas sociales como la igualdad de género, la memoria histórica, la diversidad racial, el cambio climático y la relectura de la historia del arte desde una visión más igualitaria. Las artistas fueron: Agnes Essonti (España), Alejandra Glez. (Cuba), Lorena Wolffer (México), Osiris Ferrera (Honduras), Karme Lahoz (España), Scarlett Rovelaz (Honduras), Amapola Prada (Perú), Art al Quadrat (España), Ana Beltrán (España) y Neyen B. Pailamilla (Chile); de naturaleza distinta y con temáticas diversas (desde la denuncia de la violencia sexual al racismo o la reivindicación de la memoria histórica de las mujeres) estas performances permiten reflexionar sobre problemáticas actuales desde la sensibilidad de lo artístico. Esta amplia presencia de artistas de Latinoamérica viene a confirmar la importancia que la performance tiene en el continente, especialmente vinculada a la denuncia social y al feminismo, desde la denuncia de la violencia sexual en el diálogo mantenido entre Lorena Wolffer y Kira Sosa Wolffer, al feminicidio que contabilizaron Osiris Ferrera en el caso de Honduras o Ana Beltrán en el caso español, o el entierro simbólico del patriarcado de Karme Lahoz.
Continuando este interés por la reflexión, con el museo como ágora de pensamiento, en este 2024 se han incorporado tres conferencias de especialistas en temas que abordan algunos conceptos que articulan las acciones y la construcción de los cuerpos de las mujeres a lo largo de la historia y, sobre todo, su repercusión en el presente. Así, la historiadora del arte y comisaria española Pilar Soler Montes impartió la conferencia “Histeria” sobre las imágenes de mujeres en las vanguardias artísticas, especialmente a partir de esa construcción de “la histérica” como pose y como estereotipo, la curadora argentina Kekena Corvalán presentó el proyecto ‘Red Artchivas’, una investigación para amplificar el recorrido de mujeres y disidencias en prácticas artísticas colectivas, territorializadas y sensibles; y la historiadora cubana Suset Sánchez presentó “Negras, cholas, chinas, rubias. . . Tetas sin miedo, cuerpos en resistencia y crítica decolonial”. En los tres casos las aproximaciones teóricas han permitido profundizar en cuestiones como la decolonialidad, el trabajo comunitario o la utilización patriarcal del cuerpo de las mujeres.
Este 2024 contamos con las performances de Marta Pinilla (España), María Monegro y Lizette Nin (España), Las Domínguez de Ramos (Argentina), Yohanna M. Roa (Colombia/Estados Unidos), Estíbaliz Sádaba (España), Alejandra Dorado (Bolivia), Dolores Nchama (Guinea Ecuatorial), Aniova Prandy (República Dominicana), Verónica Vides (El Salvador) y Rosa Cabrera (Cuba). Como curadora, me interesa especialmente su abordaje de temáticas feministas y descoloniales siempre desde la experiencia personal o la autobiografía y cómo la práctica artística puede ser una herramienta de profunda transformación para las mujeres, denunciando la violencia que sufren y la desigualdad pero también para reclamar un lugar más justo o para empoderarlas.
Cada performance queda recogida en un pequeño resumen en vídeo que intenta traducir lo que se vive en ellas. Son, cada una, distintas en su acercamiento a los públicos, en sus formalizaciones, pero también en los mensajes que transmiten.
Los públicos, a su vez, han variado entre aquellos que visitan el museo por su colección y descubren durante su visita la performance, siendo partícipes de ella, y quien es un público habitual de arte actual y acude al museo para formar parte de las acciones. En estos años los y las visitantes han colaborado, se han emocionado, han preguntado, y han intervenido en unas performances en las que no hace falta un conocimiento experto para entender el mensaje y formar parte de la acción, pero también han presenciado unas obras que transforman mucho más profundamente aquellas desigualdades que denuncian. La fibra sensible que toca el arte de acción es sutil, prolongada y duradera. Cada performance en “Visión y presencia” dura una media hora, pero lo que quiere cambiar se queda para siempre en cada uno/ de nosotras.
Semíramis González (Gijón, 1988) is an independent curator based in Madrid. She has a degree in Art History from the University of Oviedo and a Master's degree in Contemporary Art History and Visual Culture from the Reina Sofía Museum, at the Complutense University. She is a PhD candidate in Art History from the University of Oviedo. Gonzáles is currently the curator of “ Vision and Presence,” a cycle of performances by female-identifying artists at the Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. semiramisgonzalez.com
Georgia Phillips-Amos is a writer, editor, teacher and translator who grew up in Málaga, Spain, and New York City. She is a founding editor of O BOD.
